ДАНУШЕ КШИЦОВА

Когда-то это уже было. В начале 1990-х пражские художники организовали выставку в трамвае, передвигавшемся по столице. Купив билет, можно было лицезреть искусство. Несмотря на то, что наш корабль всего лишь виртуальный, его экипаж приплыл из самых разных восточных областей. Начнем в алфавитном порядке.

Геннадий Александров (1949) свой долгий путь начал в сибирском городе Омск, там берет начало его художественная карьера. В Прагу он приехал в 1993 году, имея за плечами успешные выставки в Сибири, обеих российских столицах и за границей: в Украине, Болгарии, Польше, Англии, Скандинавии и Германии. Он выставлял свои работы во многих чешских и словацких городах. И это не удивительно, поскольку его чувство юмора, целостность художественного образа, техника рисунка, графики и офортов открывают перед ним широкий диапазон творческих возможностей, включая экслибрисы, которые создавались его пражскими соплеменниками уже в 20-е годы прошлого века. На данной выставке Геннадий Александров представил свой цикл иллюстраций к Ветхому и Новому Заветам, в которых с первого взгляда можно проследить связь с Марком Шагалом. На самом же деле, речь идет об интереснейшей трансформации Бытия, берущего начало в Большом Взрыве, в центре которого, в соответствии с библейским повествованием, находится слово: «И сказал Бог: Да будет свет! И стал свет». Подобным образом автор комментирует большинство своих работ, выполненных сухой иглой и дополненных акварелью. Он ссылается на отдельные главы и стихи, начиная сотворением Евы и заканчивая изгнанием из рая, ненавистью Каина и Святой Троицей, изображенной в виде трех окрыленных девушек, опускающихся к круглому столу. Его Саломея с движениями индийских танцовщиц уже держит в правой руке голову Иоанна. Бушующую ненависть, ведущую к распятию, символизирует белый крест с узкими кошачьими зрачками, расположенными на обоих поперечных бревнах. Долго придется перечислять все ветхозаветные и новозаветные сцены, хорошо известные по библейскому повествованию. Каждое произведение — это самобытное художественное проявление, обладающее высоким эстетическим качеством.

Украинская художница Ольга Васильева родилась в Николаеве, недалеко от впадения реки Буг в Черное море. Высшее образование она получила в Киевской художественной академии, где в 1992 году начала выставлять свои картины. Спустя два года Ольга Васильева переехала в Прагу. Свою богатую выставочную деятельность за границей она начала отдельной выставкой акварельных работ в Стокгольме. С 2004 года она почти ежегодно принимает участие в зимних и летних художественных показах в Дублине (2004—2009). Свои произведения она посылает в Лондон, Рим и Милан. Ольга Васильева мастерски владеет техникой акварели. Она создала десятки женских фигур, занимается отображением темы материнства, рисует детенышей различных животных. Ее девушки грациозны, все их движения очень точно подмечены автором. Фигуры возникают из больших цветных капель, которые, касаясь своей картонной основы, приобретают почти пуантилистический облик, что так к лицу тигрятам. Ее вовлеченность в зарубежные художественные мероприятия естественна.

Супруги Козловы родом из Украины, а в Праге они обосновались в 1991 году. Образование они получили в Средней художественной школе в Донецке и Санкт-Петербургской художественно-промышленной академии имени В. Мухиной, где в 1989 году впервые выставляли свои картины. Спустя год они организовывали выставки не только в Санкт-Петербурге, но и в Москве. Приехав в Прагу, они сразу же включились в чешскую художественную жизнь. Их выставки проходили как в столице, так и в других городах Чехии, их приглашали в Дрезден и Кошице. Александр Козлов (1961) также является опытным реставратором. Он путешествует по самым разным чешским и зарубежным городам, где уже отреставрировал много барочных скульптур и прочих церковных и замковых объектов. В своих произведениях он продолжает линию геометрической абстракции в духе Казимира Малевича и конструктивистов, наполняя ее веселой палитрой ярких пастельных оттенков, близких детскому восприятию. Подобно звучат его пестрые комбинации форм, в которых даже вселенная превращается в причудливые игры шариков (напр., «Парад планет», 1993, масло, холст 120х120). Не удивительно, что его мир начинается «Семейным столом» (1991, масло, холст 100х100) или «Семейным альбомом» (1991, масло, холст 75х75). Его портретные работы используют мотив детских кубиков, складывающихся в интересные фигуры («Женщина из Орлице», 1991, масло, холст 100х100; «Женщина из Олшан», 1991, масло, холст 75х75). Стремление к художественному обобщению наблюдается и в его скульптурных работах, которые закруглением своих форм напоминают Александра Архипенко («Крестьянка», 2003, бронза, высота 24 см). «Богиня плодородия» (2002, бронза) подтверждает способность мастера к инновационному мышлению и в чем-то сближает его с Велимиром Хлебниковым.

Мир Натальи Козловой (1962), обладающий веселой красочностью, близок детскому восприятию, однако по стилю абстракции приближается, скорее, к Василию Кандинскому. Так же, как и ее муж, Наталья находит вдохновение в своем ближайшем окружении, которое, пройдя ее творческой мастерской, перевоплощается в пространство, наполненное необыкновенными формами, где вода, вазы и цветы создают независимые, легко отделяемые друг от друга субстанции («Натюрморт с вазами», 1997, масло, холст 76х60). Импульсом к созданию произведения может послужить даже полосатый чулок, дама в шляпе, женская фигура... Весь вещественный мир пропитан огромной динамикой, это мир, в котором отдельные объекты превращаются в свои фантасмагорические притчи. Новый сюрреализм Натальи Козловой выходит из дома на луг, где можно загорать или просто отдыхать «В голубой тени» (2007, масло, холст 60х80). Также он может отправиться в сказочные края к подножию черной горы («У черной горы», 2007, масло, холст 60х60), где алый акт с грачиным волосом ожидает прибытия лебедей, что выражено оплодотворяющими облаками. Удивительную творческую фантазию супругам Козловым занимать не приходится.

Ирина Купырова, выпускница Киевской художественной академии, живет в Праге, а работы выставляет по всей Европе. Свои элегантные и мечтательные женские фигуры она размещает возле подоконников, за пределами которых открывается вид на окружающую природу и городской пейзаж. Протяжные овальные лица ее красавиц чем-то напоминают Амадео Модильяни. Сокрытую драму юных девушек высказывает подчеркнутая жестикуляция их тонких рук с удлиненным пальцами. Драматичность повествованию придает и частое изображение сразу нескольких женщин, медитирующих не у озера в парке, как это встречается на полотнах В. Е. Борисова-Мусатова, а в тесной хватке жилища с его неожиданными натюрмортами и букетами цветов, в том числе, подсолнухов, как две капли воды напоминающих Винсента Ван Гога. Кроме того, цветы становятся неотъемлемым элементом частью б девичьих причесок. В голубом акте, включенном, как ни странно, в серию алых картин, на головы дам опустилась цветочная шляпа в виде воздушного кружевного облака.

Михаил Микора (1964) — уроженец Киева, окончивший Киевскую художественную академию с ориентацией на монументальную живопись. В 1994 году он перебрался в Прагу. За организацию выставок он взялся сразу же после окончания учебы — в начале 90-х гг. в Киеве, куда потом его произведения ни раз возвращались. Из Праги его работы путешествовали в Ирландию, Германию, Вену, Женеву, Лондон, Рим и Милан, куда им удалось попасть благодаря Affordable Art Fair — доступным широкому кругу людей художественным ярмаркам, которые с 2012 года регулярно устраиваются в этих городах. Своим главным произведением мастер считает цикл своеобразных, будто бы заколдованных натюрмортов из бокалов, прореженных чайниками и алюминиевыми флягами, с которыми раньше ходили за молоком. На стене тем временем проступают черные силуэты мужчин и женщин, то плавающих против косого течения, то проникающих в один из бокалов. Все это напоминает загадочный мир Алисы в Зазеркалье. В отличие от подобных артефактов, выполненных смешанной техникой, его масляная живопись является фигуративной. Отдельным пунктом в творчестве Михаила Микоры стоят мужские ню и эротический триптих «Соседи», завершающийся любовным слиянием. Возможно, благодаря использованию смешанной техники, давшей название следующему циклу, выхваченные автором герои, странствующие по улицам мегаполисов или мчащиеся туда на мотоциклах, окутаны той же молочной пеленой, что и стеклянные натюрморты. Свои мужские портреты художник заливает алым и розовым светом, чтобы вновь вернуться к мотиву чайных и кофейных сервизов, входящих в цикл Dolce vita. Быстрыми движениями туши и акрила автор фиксирует оживление в кафе и на улице. Реминисценция импрессионизма очевидна в его передаче миланского кафедрального собора, вырывающегося то из розового, то из темно-синего фона. Обособленным и уникальным циклом Микоры является изображение джазменов. Его любовь к данному жанру привела его в среду пражских клубов и на джазовый корабль, плывущий по Влтаве под Карловым мостом, что запечатлено на видео, снятом благодаря инициативе Марины Добушевой, которая эту страсть художника выразила в своем эссе «В плену джаза» («Русское слово», 2006). Камера показывает быстрые карандашные наброски, вслед за которыми в мастерской художника начинается нанесение на холст масляных красок, сглаживающих стекающий по лицам саксофонистов пот. Так увековечивается редкий симбиоз мужчины и его музыкального инструмента.

Юрий Шевчук (1962) родом из Киева. Здесь он окончил художественную школу и престижную Академию архитектуры. В чешскую столицу он переехал в 1993 году и установил связь с пражскими галереями. Вместе с тем Шевчук организовывал выставки и за границей: в Париже, Антверпене, Лондоне, Кембридже, Баден-Бадене, Москве и др. И это не удивительно: автор является большим поклонником автомобилей, ценителем красоты старых и новых моделей, которые всегда по-разному входят в контекст XX и XXI вв. В его акварельных работах можно встретиться как с пузатыми автобусами на Йирасковом мосту на фоне старой Праги, так и с современными моделями легковых автомобилей. Особое внимание он уделяет гоночным машинам, вокруг которых расставляет команду, одетую в соответствии с эпохой (напр., Malcolm Campbell Sunbeam Bluebird, 1924 г). Также он создает любопытные диптихи с изображением гоночного автомобиля и победителя данного ралли — олицетворение мечты многих мужских сердец. Чаще всего Юрий Шевчук старается рассказать о волнующем напряжении международных гонок (напр., Ferrari 312 B2 1971 Monaco GP F1 Jacky Ickx, акварель, 45x70 см). Его автомобили с головокружительной скоростью мчатся по самым известным европейским трассам, поскольку главная цель этого спорта — одержать победу над пространством, временем и самим собой.

Следующая тема не менее драматична — атмосфера джаза и его самых прославленных протагонистов, одним из которых был Майлс Дэвис (1926—1991). Ему посвящена работа Jazz Miles Davis 9, акварель, 70x45 см. Сегодня этот цикл — целая галерея трубачей, саксофонистов, пианистов и виртуозов электрогитары, иногда сопровождаемых танцовщицами или всем коллективом. Шевчук старается запечатлеть исполнителя в момент его максимальной сосредоточенности на извлекаемом тоне, который в тот же момент сверкнет и изумит слушателя. В своей джазовой тематике художник пользуется не только быстрой техникой акварели. Он создает пышущие масляными красками полотна, где слово предоставляется и певицам. Поскольку джаз неотделим от США, местная пресса не обошла вниманием мастера, а в 2007 году он стал членом PASTEL SOCIETY OF AMERICA. Однако в его ландшафтной живописи по-прежнему слышатся пражские ноты. Из своих путешествий по Европе он запечатлел Баден-Баден, Париж, Барселону — в их самых популярных среди туристов позах. В подобном стиле он изображает город, в котором решил поселиться. Благодаря оригинальному выполнению автомобильной темы, некоторые работы Шевчука попали на сайты автокомпаний Европы и Австралии, а также на страницы журналов (напр., OldTimer Magazine, 7—8, 2015, CZ). Не забывают о художнике и чешские СМИ (MF DNES, 04.09.2015). 

Несмотря на то, что семерка представленных авторов не составляет группу с конкретной программой, некоторые из них сходятся в выборе тематики и художественной техники. И все же общее у них одно: это яркие творческие личности, стремящиеся создавать произведения искусства высшего качества.

Перевод: Екатерина Сташевская